When some hard-working visionaries with a love for urban music and creating songs decided to start CP Records eight years ago in Ottawa, they might not have called it “publishing” or understood all its ins-and-outs, but they quickly learned about this top revenue-generator.

The company’s roster, which currently includes Belly, Danny Fernandes, Massari, Tyler Medeiros, and Mia Martina, has had 11 No. 1 singles in Canada and numerous song placements in hit television shows such as So You Think You Can Dance Canada, Battle of the Blades, and Degrassi. Medeiros’ “What’s Up Stand Up” was used for an anti-bully campaign on Family Channel.

“Songwriting is a process that takes time. It’s not for everybody.” – Belly

“I didn’t even know about [publishing] because we were so young and we just had a dream and passion to make good music,” says CP Records CEO Tony Sal. “As things got better, a lot of people came requesting songs. At that time [in 2006], the first album was Massari’s, and ‘Be Easy’ and ‘Real Love’ were just phenomenally in demand.

“A big part of what drove me to start the whole label and doing the whole commitment was Belly as a writer and a producer,” he adds. “We said, ‘All records are going to be written and produced by us,’ not really concentrating on ‘We’re going to own the publishing part.’ It was more about the creative side.”

Sal estimates that Belly has written 75 percent of CP’s catalogue. “For a lot of the songs Belly works closely with the artist,” he says. “My whole roster fights to get that single from him.”
Martina, Fernandes, and Massari all have a hand in their own songwriting, to varying degrees. As far as producers, Belly and Da Heala are the “No. 1 guys to go to at CP,” Sal says, in addition to brothers Ryan and Dan Kowarski.

Belly says he has seen many of the CP artists develop as writers. “Songwriting is a process that takes time,” he explains. “It’s not for everybody, but it is something that if you have at least a little bit of a musical talent, it can be built on.”

CP’s publishing administration and licensing is now handled by Toronto’s Entertainment Business Affairs (EBA).

“We’re now building a publishing catalogue,” says Sal. “I feel it’s really strong. We own records featuring Snoop Dogg, Juelz Santana, Fabolous, Ginuwine, Mario Winans, Nina Sky, and Lil Twist, via Belly and Tyler tracks…

“What’s cool about it is we have so many big records like that and it’s a Canadian company like CP Records that owns the masters, and the publishing.”


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Il y a les chansons qui durent et celles qu’on oublie. Les refrains que les artistes se font
un devoir de reprendre et ceux que d’autres s’amusent à découvrir. Combien de vies
peut avoir une composition ? Comment s’y prend-t-on pour remodeler un classique ?
Roger Tabra, Daniel Boucher et Louis-Jean Cormier de Karkwa en discutent.

Roger Tabra n’est pas peu fier. L’album Avoir autant écrit, fraîchement paru, réunit une panoplie d’interprètes, dont Ginette Reno, Éric Lapointe et Dan Bigras, autour des chansons qui ont jalonné sa carrière. Le projet est davantage qu’une simple compilation : ceux qui touchent à ses créations leur donnent un second souffle, ne craignant pas de se les approprier. Aux yeux du parolier qui dit modestement avoir surtout pondu des « chansonnettes », ses « Mon ange », « Le Clown » ou « Un homme ça pleure aussi » ont pris l’allure de nouveautés, rien de moins. « C’est comme si je les entendais pour la première fois, car c’est quelqu’un d’autre qui les chante, ce qui apporte une autre dimension. Dans certains cas, c’est maintenant une femme plutôt qu’un homme, ce qui apporte encore un autre éclairage.

NOSTALGIE ET RENOUVEAU
La démarche qui sous-tend Avoir autant écrit a beau être particulière, la parution s’inscrit dans le sillage des nombreux albums-hommage qui ont vu le jour ces dernières années. Plusieurs artistes ont effectivement repris des classiques québécois, tantôt sous forme d’oeuvres collectives, où celui qui est célébré est spectateur, tantôt en préconisant des duos avec l’interprète original – une formule qui a réussi aux Claude Dubois et Gilles Vigneault, entre autres. Roger Tabra explique le phénomène en partie par la nostalgie, car ces productions

permettent aux amateurs de renouer avec des airs qui leur sont chers. Louis-Jean Cormier abonde dans le même sens. Il croit aussi qu’il y a un parallèle à faire avec la morosité de l’industrie. Les producteurs et les compagnies de disques tendent à être prudents. Ils visent donc la clientèle qui achète les albums physiques, soit la generation des baby-boomers, susceptibles de vouloir réentendre des pièces évoquant une période heureuse de leur passé.

Pour sa part, Daniel Boucher rappelle que si on aime nos vieux refrains, ça ne veut pas dire qu’on tourne le dos aux nouveaux : « C’est sûr qu’il y a une vague présentement, mais j’espère que lorsqu’on sort des projets comme ça, c’est parce qu’on aime ces chansons- là et qu’on veut les perpétuer… »

S’APPROPRIER UNE CHANSON
En 2000, Boucher était approché pour participer à un album-hommage à Félix Leclerc, intitulé Le 8-08-88, à 8h08. Plutôt que de se contenter d’entonner un titre bien connu, il est allé se procurer des vinyles du défunt et a écouté les pistes une à une jusqu’à ce qu’il ait un coup de foudre. Son choix s’est arrêté sur « Chant d’un patriote », qu’il a mise à sa main. Il l’a tellement personnalisée, changeant la tonalité, la rythmique et la prononciation, que cette pièce l’accompagne encore aujourd’hui. Du même coup, il a rajeuni Leclerc, le présentant à une nouvelle génération de tympans. « On a déjà l’original, pourquoi est-ce qu’on aurait une copie ? Il faut que tu t’appropries la chanson pour que ce soit utile et c’est à ce moment-là que la chanson continue à vivre. C’est grâce à ça que ça peut parler à quelqu’un d’autre. »

Boucher a aussi brillamment dépoussiéré « C’est pour ça », enregistrée par Robert Charlebois en 1967. En l’entendant, ce dernier a réalisé qu’une perle roupillait dans ses tiroirs : il s’est remis lui-même à l’entonner en spectacle…

À l’instar de Boucher, Louis-Jean Cormier a baigné dans l’univers de Félix Leclerc avec ses comparses de Karkwa, s’attaquant au « Tour de l’île ». Par la suite, il a agi à titre de réalisateur et de co-arrangeur des deux volumes des 12 Hommes rapaillés, en compagnie de Gilles Bélanger. À cette occasion, il a supervisé la naissance de nouvelles adaptations musicales des textes de Gaston Miron, mais également de seconds moutures de compositions qui avaient été
interprétées, il n’y a pas si longtemps, par Chloé Sainte-Marie. « Pour qu’une reprise soit réussie, la liberté doit être totale du côté des arrangements et de la tonalité. Ce qui me plaît le plus, que ce soit avec une chanson originale ou une reprise par Karkwa ou un autre, c’est lorsqu’on a l’impression de la “tire-bouchonner”, de sentir que c’est quelque chose de neuf,
qui t’amène ailleurs. »

S’INSCRIRE DANS LE TEMPS
Les trois artistes s’entendent pour dire qu’une chanson qui a plus d’une vie, c’est une composition qui a droit à différents habillages sonores et vocaux. Mais qu’est-ce
qui fait qu’une pièce s’inscrit dans le temps ? Roger Tabra juge qu’une « chanson, en
général, dure jusqu’au prochain succès ». Celui qui propose des « romans de quatre
minutes » observe qu’il y a autant de grands textes, comme « Avec le temps » de Léo
Ferré, qui résistent aux modes, que de pieces qui racontent peu de chose, comme le
« Yesterday » des Beatles. Or voilà, à force d’être reprises, elles acquièrent
leur longévité.

Par ailleurs, on ne peut nier que le contenu même des compositions ait un rôle non négligeable, surtout quand les créateurs parviennent à jouer sur la fibre universelle. « Pour devenir un classique, il faut qu’une pièce soit hyper rassembleuse, estime Louis- Jean Cormier. C’est ce qui fait que ça va s’inscrire dans le temps, comme “Let it Be”, des Beatles ou “Quand j’aime une fois, j’aime pour toujours”, de Richard Desjardins. Il y a une question de timing, mais il faut que ça rassemble les gens, […] que ça parle à toutes les classes sociales. »

Certes, on peut établir quelques règles qui permettent à une chanson de résister à l’usure des années, mais il y a des exceptions. Une pièce qui, lorsqu’elle a été enregistrée une première fois, n’a pas eu toute l’attention qu’elle méritait, peut soudainement avoir droit au succès. C’est ainsi que « Les Pauvres », de Plume Latraverse, s’est trouvée une vie radiophonique dans le larynx de Boom Desjardins…

En somme, dès qu’elle naît, une chanson est presque toujours susceptible d’avoir plus d’une vie. Mais sa durée dépend de la qualité de son contenu, de même que de l’imagination et de la sensibilité de ceux qui la défendent. « Il y a des tounes qui ne mourront jamais, conclut Daniel Boucher. Il y a des cycles, des périodes où on peut les entendre moins, mais ça revient. Tant
qu’on les chante, tant qu’on les reprend, elles durent. »


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C’est en septembre 2005 que la formation Jelly Fiche sort la tête de l’eau. Comptant
dans ses rangs Syd, Jean-François Arsenault et Éric Plante, la bande fait paraître en 2008 un premier album, Tout ce que j’ai rêvé. Fièrement autoproduit et mitonné à la maison d’Éric, le disque propose des climats aériens et une poignée de textes du poète trifluvien Guy Marchamps. Aujourd’hui réduit à un duo (Plante a quitté pour se joindre à l’équipe du Cirque du Soleil), Jelly Fiche lançait récemment Symbiose. Ce deuxième compact aux guitares toutes dents sorties est plus mordant et graffignant que son prédécesseur. Il s’inscrit dans la plus pure tradition des albums à concept, s’abreuvant sans gene à la source du rock progressif et relatant une histoire d’amour particulière à travers l’espace-temps.

Syd explique : « En fin de compte, il s’agit d’une quête spirituelle. Ce disque traite de l’équilibre qu’on a au fond de nous, celui que l’on souhaite atteindre. C’est en relation avec la philosophie chinoise. Le bien et le mal. Le yin et le yang. Cette dualité qui nous habite tous. Il y a un aspect très féérique, mystérieux et théâtral à l’ensemble. Sur cet album, on retrouve davantage l’identité du groupe, contrairement au premier où l’on ressentait beaucoup plus nos influences respectives. »

Inspirés par Hendrix, Bowie, Morrison, Led Zeppelin, Harmonium ainsi que par le célèbre The Wall de Pink Floyd, Syd et Jean-François souhaitaient procurer un peu plus d’edge seventies à leur nouveau projet. Ainsi, Symbiose fut enregistré au Studio Frisson à Montréal et marque une nette évolution sur le plan sonore pour le duo. Même s’il préfère que l’on utilise le terme « art-rock » pour qualifier la musique de son groupe, Syd est conscient que Jelly Fiche poursuit fièrement sa route dans des sillons progressifs. « Le terme est souvent péjoratif, je le sais. Au départ, je ne tenais pas à faire du rock progressif. On s’est simplement laissés guider par ce qu’on aimait. Étant signés par une etiquette produisant des artistes de rock progressif (Unicorn Records), il est facile de nous étiqueter de cette façon, mais je considère que notre vision est plus large. On adore la direction empruntée par Karkwa. Ça leur a apporté une certaine clientèle. Je m’identifie beaucoup à ce groupe. On aimerait jouer devant ce genre de public, plus jeune, tout en conservant les vieux fans de rock, » confie l’homme de 42 ans.

Et c’est précisément ce qui se retrouve au programme du tandem pour les prochains mois. Après avoir parcouru le sud de la France l’été dernier, puis effectué un blitz promotionnel et visité bon nombre de stations de radio à travers la Belle Province, les deux musiciens se disent prêts à faire vibrer les foules québécoises. Parallèlement, Syd prépare tranquillement une nouvelle tournée européenne qui prendra son envol en France en mai 2012. « On veut élargir notre public. C’est notre priorité. Visiter les gens puis booker des shows en région. Il y a encore beaucoup de travail qui nous
attend pour faire connaître le groupe ici. Puis, on aimerait s’arrêter en Belgique et en Hollande. Je suis en train de discuter avec des producteurs là-bas. Ça s’annonce vraiment très excitant ! »

En plus de tenir les rênes de Jelly Fiche, Syd et Jean-François sont aussi membres du groupe maison de l’événement Humour Aveugle, présenté au Théâtre Saint-Denis. Multipliant leur participation à ces soirées, les comparses ont aussi effectué des premières parties pour Fish (en 2008) et Asia (l’automne dernier), joué lors de festivals ainsi qu’à une multitude d’événements corporatifs, en plus d’accompagner une poignée d’artistes sur scène. Bref, pas question de se reposer sur ses lauriers si l’on souhaite survivre dans la jungle de la musique québécoise. Pas de tout repos, meme pour des musiciens chevronnés. Syd raconte : « Il est devenu extrêmement difficile de gagner sa vie avec ses chansons. Au fil des ans, j’ai passé à travers différentes phases de remise en question, mais je suis toujours revenu à mes amours. Dans le fond, la musique est un échange d’énergie vitale. La clé est de savoir pourquoi tu en fais. Si c’est pour les mauvaises raisons, tu ne restes pas longtemps dans ce milieu. Être musicien, c’est d’abord et avant tout une passion, un mode de vie. Oui, il faut être fou pour faire ce métier, mais moi, je suis fier d’affirmer que je gagne ma vie avec la musique. Je peux mourir demain et declarer sans gêne que j’ai fait ce que j’ai voulu faire de ma vie. » Bref, heureux comme un poisson dans l’eau!


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