Over a decade of making music together, twins Tegan and Sara Quin have quietly and relentlessly become a big deal. Well, perhaps not too quietly. The two are as notorious for their rapid-fire on-stage banter and often painfully frank manner with the press as they are for their ability to pen compact, decisively blunt songs.

 

Sainthood, their sixth studio album, is also far from quiet. Produced by Death Cab for Cutie guitarist Chris Walla and Howard Redekopp (co-producer 2004’s So Jealous), it’s a tight set of three-minute burners tied together by Tegan and Sara’s obsession with romantic ideals and the idea of achieving practised perfection — sainthood — in the eyes of a lover in return for adoration and devotion. “There’s this selflessness that happens at the beginning of a relationship,” Tegan says. “You’ll get up and go for coffee even if you don’t drink coffee. You’ll promise to be with someone forever when you’ve only known them five weeks. It’s this really intense passion, but it’s delusional, too.”

 

Even so, says Sara, “It was a real thinking record.” For a start, the process was not as driven by emotional considerations. “I think we’re more efficient about saying more while saying less,” Tegan says. “We’re much more precise about projecting the intention behind each song.” Still, even after multiple listens, Sainthood plays like a discussion between the sisters, the kind of intimate dialogue that’s a hallmark of their live shows and their songwriting, a point of fascination for their audiences and a habit that continually strengthens their collaboration. Their songwriting has never been more to the point, their instincts for lyrical and musical hooks never sharper.

 

The ongoing search for perfection also figures heavily in how the sisters interact. “The second my relationship with what I do breaks down, I start to take it out on Sara,” Tegan says. “At the beginning we were very hard on each another, and we had to figure out a healthier way to deal with each other. That took a lot of practice.”

 

“Honestly,” says Sara, “the longer we go, I think it gets easier. We’ve managed to find a balance. Tegan takes the lead when it comes to the business side of things and I try to take a handle on the creative side. We’re there for each other, to support and filter, but because we’re focused on different things, it distracts us from fighting and arguing.”

 

Choosing songs for the records is also far easier than anyone might believe, she adds. “Seriously, often we’re fighting for each other’s songs. It really is about how an album plays from beginning to end — what makes sense.”

 

Their songwriting process is, famously, two solitary pursuits. Part of that is geography; Sara is based in Montreal and Tegan in Vancouver. Even after exploring more collaborative songwriting, the instinct for solitude was hard to shake, says Sara, referring to “Intervention,” a song she and Tegan recently co-wrote with comedian Margaret Cho for her upcoming record. “I think we use each other in more of an editor’s role. That just became our pattern. It feels really awkward having anybody involved in the early, building-block stage.”

 

That said, for Sainthood both sisters wanted to push themselves forwards by pushing the boundaries of their comfort zone. “I was like, ‘What would make me uncomfortable?’” Sara says. “Well, writing with anyone, but with Tegan specifically. That would make me very uncomfortable.”

 

With that in mind, they hunkered down to write together in New Orleans, generating seven additional songs to add to the 40-some-odd contenders already up for consideration for the CD. “It was amazing,” says Sara, “but difficult. The songs we wrote were completely different.” Too different, it was decided, to make the album. “It almost felt like a different project. So we decided to keep them and explore that, maybe as a side project or for an EP that would feel cohesive because all the songs were written from the same place.”

 

Still, there are co-writes by Tegan and Sara, as well as with AFI’s Hunter Burgan, on Sainthood, songs written together, if remotely: “Three thousand miles apart, using computers,” Sara says. But although the New Orleans sessions may have to stand alone, the process is going to stick. “As the project gets older, there’s this desire to do things differently, if only to keep it fresh for ourselves. I think a big part of that is going to be songwriting together.”

 

In the spirit of keeping things fresh, T&S have also taken their first steps in book publishing, releasing, alongside Sainthood, a three-book set titled ON, IN, AT that starts with their 2008 U.S. national tour, includes the New Orleans writing sessions and ends with their headlining Australian tour in 2009, offering an intimate view of their lives that includes their writing process and on-the-road journal entries.

 

An appropriate offering considering Sainthood’s preoccupation with the endless give and take of relationships. “We wanted to give something to people that was more than they could get off the Internet,” Sara says. The books also include writing from Chris Walla, Dallas Green, Northern State and current tour mates An Horse. “It became a collective art project between our friends and family,” Sara says.

 

It also took the sisters back to a time when they were less of a big deal, before their multiple appearances on big late-night U.S. talk shows with Letterman and Leno, before their sold-out Canadian tours and increasingly enthusiastic global acclaim. “We’ve got a great team now, and I would never want to be shrink-wrapping our CDs in our living room,” says Sara, “but there was something really rewarding [when we did the books] about going back to doing everything on our own.”
While Tegan and Sara still maintain an impressive web presence and blog, vlog and Twitter more prolifically than many artists, they see the books as a means to provide fans with a more personal experience. “It’s the idea that there could be something tangible,” Tegan says. “People don’t buy records, race home and sit with the artwork any more. I felt the books could create that kind of vibe.”

 

The books are also an extension of the idea of Sainthood, and the sisters’ unique way of letting listeners in on their conversations: practising perfection but allowing room for error. “The whole point of being a performer,” Tegan says, “is to connect. When I’m writing, it’s about me. When they’re listening, I want it to be about them.”

 

“There’s a tendency in the music business to focus on what someone looks like or how many records they’ve sold or what kind of clothes they’re wearing,” Sara says. Which is exactly the opposite of what Tegan and Sara are getting at with Sainthood. “Being the best person you can be is actually something you have to work at,” she says. “There’s something very human and instinctual about not always being good.”


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Après avoir joué du clavier pour l’obscure formation December Strikes, Béatrice Martin (mieux connue sous le pseudonyme de Cœur de pirate) se joint ensuite à Bonjour Brumaire. Se sentant étouffée par les fortes personnalités qui l’entourent, elle quitte les rangs du groupe peu après et signe avec l’étiquette Grosse Boîte (maison de Tricot Machine). Avant même la parution de son premier disque, Cœur de pirate fait couler beaucoup d’encre et déchaîne les passions les plus cinglées sur le Web. Porté par un vent de hype complètement fou, le premier album de Cœur de pirate atterrit finalement sur les tablettes des disquaires québécois à l’automne 2008. « J’étais vraiment dépassée par les événements, laisse-t-elle tomber d’entrée de jeu. Au départ, je ne savais même pas que des gens m’écouteraient attentivement, mais je ressentais le besoin de me faire entendre. N’aimant pas déléguer mon matériel à d’autres musiciens et détestant recevoir des ordres, je me suis rendue compte qu’il n’y avait pas d’autre option que de me lancer en solo. »

Épaulée par David Brunet, collaborateur de Yann Perreau, Béatrice a su dénicher un comparse qui a habilement réussi à envelopper ses morceaux intimistes et sensibles de jolis arrangements à la fois épurés et évocateurs. Malgré quelques leçons de solfège au Conservatoire, c’est véritablement en studio que Béatrice découvre sa voix (et sa voie). Derrière son piano, la blonde pirate ose poser sa voix délicate sur ses textes évoquant souvent des chagrins d’amour. « La route fut longue avant de trouver ma voix. Je dirais même que je suis toujours en train de la chercher. Autour de moi, les gens ne m’encourageaient pas particulièrement et je ne pensais pas suivre cette voie de la chanson. Lorsque je suis entrée en studio, je me suis véritablement mise à chanter pour la première fois de ma vie. C’était vraiment cool. C’est à ce moment que j’ai pris conscience de mes forces et de mes faiblesses et que j’ai commencé à travailler là-dessus, » avance la jeune femme au débit rapide.

Marquée au fer rouge par l’œuvre de Milan Kundera, Frédéric Beigbeder et Jean-Paul Sartre, l’auteure-compositrice-interprète de 20 ans a développé une façon bien personnelle d’échafauder ses morceaux. « Souvent, ça part d’une mélodie. Au piano, je ne suis pas Elton John et j’en suis consciente. Forcément, je m’en tiens donc à des trucs simples. Je trouve des accords pour accompagner la mélodie et, ensuite, je déniche des riffs quand j’ai de la chance. Parfois, les riffs m’aident à trouver les paroles, qui viennent en dernier lieu, » affirme-t-elle.

L’Europe sous le charme

Lancé en France en mai 2009 sous la légendaire étiquette Barclay, l’album homonyme de Cœur de pirate n’a cessé de récolter un lot de critiques élogieuses. Depuis cette parution, la carrière européenne de Cœur de pirate connaît une ascension exceptionnelle. Ayant remporté un imposant succès avec la chanson « Comme des enfants », Béatrice a survécu à cette nouvelle tempête de hype qui s’est abattue sur elle. Elle raconte : « Au départ, je cultivais certaines appréhensions. Dans ma tête, ce qui fonctionnait là-bas n’était pas nécessairement de qualité. Puis, j’ai découvert qu’en France, ça marchait autrement qu’ici. Ce sont les chansons et non pas les albums qui connaissent du succès. Là-bas, je n’ai pas vraiment reçu de mauvaises critiques. Les gens ont accepté mon album tel qu’il est, avec ses qualités et ses défauts. Ils ne se sont jamais arrêtés à mon âge et ont compris l’essence de ma musique. Ici, lorsque j’ai démarré le projet, j’étais âgée de 18 ans. C’était un choc pour les gens, car ça faisait longtemps qu’on avait vu quelqu’un d’aussi jeune dans le milieu de la chanson. C’était un élément de distraction. »

Malgré le succès, la jeune femme garde la tête bien froide. « Maintenant, j’avoue que j’ai peur tous les jours. Je sais très bien que si mon deuxième album ne fonctionne pas aussi bien, ça peut se terminer du jour au lendemain. Le jour où j’aurai envie de tout arrêter, je le ferai sans un moment d’hésitation, mais j’ai l’impression que ça n’arrivera pas tout de suite parce qu’il y a des gens qui comptent sur moi et qui croient en moi, » raconte-t-elle.

Une pirate occupée

Ayant multiplié les concerts en 2009, collaboré au dernier-né de la formation hip-hop Omnikrom et participé à la compil Génération Passe-Partout, Béatrice ne compte pas ralentir la cadence cette année. En plus de participer à plusieurs festivals majeurs en France et d’enchaîner les concerts à un rythme d’enfer des deux côtés de l’Atlantique, la pianiste et chanteuse souhaite regagner le studio cet automne pour mitonner son prochain opus. Bref, une autre année chargée attend la pirate Béatrice Martin. « Je suis consciente de la chance exceptionnelle que j’ai. Ce que je vis est extraordinaire. Je sais qu’il y a encore beaucoup de travail à accomplir, mais ça ne me dérange aucunement. Ma priorité est de continuer à bosser pour que ça fonctionne autant ici qu’en Europe, et ce, jusqu’à temps que je fasse un burn out! Lorsque j’ai deux semaines de vacances, je commence à tourner en rond, à me poser des questions. Je suis une vraie workaholic, mais aujourd’hui, je ne me verrais pas faire autre chose que de la chanson. »


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À la veille de lancer un quatrième album (la parution est prévue fin mars), Louis-Jean Cormier et François Lafontaine ont accepté de causer écriture de chansons et de procéder à un petit bilan de l’évolution du clan Karkwa.

 

Depuis Le pensionnat des établis en 2003 jusqu’au nouvel album toujours orphelin de titre au moment de l’entrevue, Karkwa a connu toute une évolution. Déjà, à ses débuts, dans une chanson intitulée « Mélodrame », Louis-Jean Cormier, chanteur-guitariste et principal parolier du groupe, annonçait : « Je n’écris pas pour me racheter/ Je n’écris pas pour te plaire/ Je n’écris surtout pas de belles paroles en l’air ». Sept ans plus tard, est-ce toujours le cas? « Je réalise aujourd’hui combien c’était naïf et maladroit, dit-il en rougissant presque. Mais l’idée que c’est pas de la frime demeure. »

 

À travers les virées en Europe où Karkwa commence à se faire un nom et une réputation, le groupe a pris du temps pour enregistrer ses nouvelles compositions au studio La Frette d’Olivier Bloch-Lainé, copain de Marie-Jo Thério, en procédant autrement que par le passé. « On a connu notre plus grosse vague de pulsion créatrice, confie Louis-Jean. Fallait que ça sorte! Et cet album, c’est vraiment une affaire de band; tous les membres du groupe y chantent, on n’a pas invité de collaborateurs, c’est nous, notre essence. » François (clavier, piano, vibraphone, composition) le voit aussi comme une œuvre spontanée. « Vient un moment où il faut que tu apprennes à désapprendre. Karkwa en est à un stade où faire une grosse pré-production est moins profitable, puisque ça peut figer des éléments qui demandaient à évoluer. On y est allé à l’instinct. »

 

Le goût du bonheur

Tous les artistes en conviennent, écrire sur le bonheur n’est pas une chose facile. Les textes de Karkwa mettent en scène le combat au quotidien de l’humain sensible dans un monde dur, souvent un décor urbain, gris, oppressant. « Sur notre prochain album, le monde reste hostile, mais l’humain va bien, confie Louis-Jean. On a réalisé, en voulant écrire sur des sujets plus lumineux, que le danger de tomber dans quelque chose d’ésotérique et d’un peu hippie nous guettait. » François acquiesce : « Ça devient un défi de faire passer ça; il faut pouvoir assumer. »

 

Depuis les textes moins subtils du Pensionnat jusqu’aux nouvelles compositions, quelque chose s’est raffiné dans le style et la posture d’écriture. On n’a qu’à penser à « Échapper au sort » : au lieu de se faire porte-étendard de la cause des sans-abris, Louis-Jean signe un texte descriptif, tout en images, coiffé d’une finale coup-de-poing qui fait mal, sans se faire moralisatrice. « Oui, c’est notre façon de prendre position. Pour nous, l’engagement social n’est pas un moteur. On aime trop jouer avec le côté vaporeux, on ne pourrait pas se rendre jusqu’à “Libérez-nous des libéraux”, » explique Louis-Jean. « Ces choses-là sont sensibles au Québec, observe François. Ici, soit t’es rouge, soit t’es bleu, choisis ton camp… Y a-tu moyen, des fois, de simplement aborder un sujet qui t’a touché, comme cette histoire du jeune sans-abri retrouvé mort dans un banc de neige, sans tout souligner au marqueur jaune? Je pense qu’en bout de ligne, le message passe mieux comme ça. »

 

Dans cet univers où affleurent les références à la météo nordique, entre rock poignant et planant, Karkwa fait danser les mots. Mais la musique arrive toujours avant le texte : « Ensuite, je m’installe avec un crayon pour remplir les cases!, » dit Louis-Jean. Le groupe contribue en lançant des idées : « Karkwa ne s’est jamais enfermé pour composer; écrire des chansons fait partie de notre vie de tous les jours, ça se fait comme ça, au fil des tournées, dans la van… »

 

Bien que les autres membres du groupe prennent la plume de temps en temps (pensez aux textes imagés de Julien Sagot, « Pili-Pili » notamment) et que la troupe mette en musique d’autres auteurs (comme « Le Solstice », un poème de Pierre Nepveu), Louis-Jean est souvent celui qui manie la plume et joue avec les mots, leur sens et leur sonorité. Lorsqu’on l’entend chanter « Comme les craqués qui dansent » (« Le Compteur ») ou « Cale les délires, Fume les mirages/ Étire l’étau, Fais-toi fêter fort » (« Oublie pas »), on entend tout le plaisir éprouvé lors de la mise en bouche : « C’est mon petit côté Jim Corcoran. Mais il faut faire attention avec ça, je suis en train d’apprendre comment doser les effets. Un jeu de mot, à la base, c’est un peu vide de sentiments. Il ne faut pas que les rimes deviennent lourdes… Parfois, c’est payant de casser la rime et de glisser un gros mot qui clashe. » On attend avec impatience le résultat.


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