When British-born composer Schaun Tozer decided to leave England, he could have gone anywhere. He was working as a composer for film, TV and contemporary dance but instead of moving to L.A. or New York, he chose Vancouver because he had family and friends there. He got lucky, arriving in 1990 just when the city’s film industry was taking off. “It was excellent,” he says. “There were more facilities, forums and composers.”

Tozer has mainly worked on Canadian productions. He was the composer for Hard Core Logo and the TV shows Da Vinci’s Inquest and Intelligence, among others. His most recent film, though, Facing Ali — a documentary about the legendary boxer — is an American flick and may become his most well-known work to date: the film has been shortlisted for an Academy Award (nominations will be announced on Feb. 2).

Composing wasn’t his only job on this film. Facing Ali’s director, Pete McCormack (who is also a songwriter), secured rights to over 200 funk and R&B songs from San Francisco’s Ubiquity Records and Tozer had to figure out how to incorporate them into the film. “There was all this amazing music from this period in the ’70s,” he says. “I had to take control of all these tracks and place them in the gaps.”

His own contributions were also funk-influenced, which was a bit of departure. While composers don’t necessarily have a “sound,” Tozer is inspired by world music and it shows. He’s written a number of tunes — including one for the recently released Hardwired (starring Cuba Gooding Jr. and Val Kilmer) — with an East Indian flavour. Other tracks are inspired by trips Tozer has taken to Brazil.

At home in his studio he works 12-hour days. Mostly it’s just him and a computer. He’d love to work more with musicians or even orchestras but budgets generally don’t allow it. Of course, listening to his music you’d never know he’s creating everything out of thin air. “The trick,” he says, “is to make it sound as though it’s real.” Consider us fooled


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Hall of Fame singer/songwriter Tom Cochrane has written a large number of songs that can be considered bona fide Canadian rock classics. At the 2009 SOCAN Awards Gala, for instance, five Cochrane compositions earned SOCAN Classic Awards. In the international arena, his biggest-ever hit has been his rock ’n’ roll anthem, “Life Is a Highway.” It reached No. 6 on the Billboard U.S. Hot 100 chart, No. 2 in Australia and New Zealand, and charted strongly in many European markets. The smash single helped Cochrane’s 1991 Mad Mad World album become his most commercially successful ever, with over a million copies sold in Canada alone.

“Life Is a Highway” has continued to log serious mileage. It’s been covered by the late American country star Chris LeDoux, then returned to the charts in 2006 via a version by U.S. country band Rascal Flatts. Included in the soundtrack for the Disney/Pixar animated film Cars, it became a huge hit once again, earning platinum certification from the Recording Industry Association of America and a People’s Choice Award for Favorite Song from a Movie. Cochrane recently reflected upon the phenomenal journey of the song.

What sparked the song?

I travelled to Africa with World Vision in the fall of 1989. After that experience I needed a song as a pep talk, a song that would bring things into perspective. I was exhausted emotionally, physically, mentally and spiritually. I had pretty good calluses on my psyche. I’d never trade the trip for anything, though, and it led me to do a lot more work with World Vision. I write as a form of therapy, and I felt 100 percent better after I wrote that song. It’s basically talking about how you have to keep your eyes on the road ahead of you. You can only control how you act and how you interact with the people you come into contact with. How you treat people can either defuse or cause negative  energy, depending on what you do. The song is about that, using the road as a metaphor.

It is clearly a message that has resonated with people.

That song was a pep talk to myself and, lo and behold, it became a pep talk for millions of others! People on a mass level and from all different walks of life relate to it. I feel very lucky to have written it and very happy it has brought so much joy to a lot of people. I’ve received all these letters from people over the years thanking me for a song that has got them through tough times. I see “Life Is a Highway” as one of those positive rock ’n’ roll songs that make people feel good.

 

Is it true there was an earlier incarnation of the song called “Love Is a Highway”?

 

That’s right. I had a sketch of the song back in 1985, mainly the melody. Kenny Greer [guitarist with Red Rider] kind of discouraged me, feeling it wasn’t quite in the nature of what we were doing then. The original sketch of the song is included on our box set, Ashes to Diamonds.

 

Did you enjoy watching Rascal Flatts have a big hit with it, 15 years on?

That was fabulous. It was my first country hit and their first crossover hit. When they did the song, they had no idea it was going to be the hit it became. They even recalled the album they were working on then so they could add it as a bonus track.

Ever get tired of playing it in concert?

Why would I? I’m a real believer in the electricity and positive energy people put out. It is wonderful to get that when you play it live.


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La première chose qui frappe, avec The Blue Seeds, c’est la joliesse de la pochette signée par l’Italienne Francesca Montanari. Un dessin minimaliste, deux personnages esquissés se tiennent la main, quelques gouttes de pluie. Un climat tristounet, à l’instar de la musique de la formation québécoise. Ce qui n’empêche pas la vigueur. Histoire d’un groupe de pop planante et mélancolique.

 

François Dufault, principal auteur-compositeur du groupe, explique pourquoi ils ont choisi The Blue Seeds comme nom : « J’aimais la sonorité. Et, sans vouloir être trop ésotérique, ce que ça pouvait refléter : la semence du bleu, de la mélancolie. C’était un des aspects de notre musique. »

 

Tout est parti de Dufault, 37 ans, qui tient les guitares et s’occupe des chœurs : « J’avais composé beaucoup de chansons et je cherchais une chanteuse. À part que je ne voulais pas trop chanter moi-même, j’aimais bien l’idée de créer pour quelqu’un d’autre et j’aime aussi les voix féminines. Ça se prêtait bien aux compositions que j’avais. J’ai rencontré Amélie [Laflamme, également au piano et mélodica], on a fait quelques chansons comme ça. Ça s’est super bien passé. Sans trop savoir où ça pouvait mener, on était sérieux dans notre démarche, on voulait faire un disque. Après un démo, on a cherché à former un vrai groupe, des gens qu’on connaissait ou qu’on nous référait. »

 

La musique de The Blue Seeds voyage rapidement. Le EP, produit à 500 exemplaires grâce aux bons conseils de la SOPREF, servira de carte d’affaires, en plus d’être mis en nomination au gala des MIMI en 2005, catégorie EP de l’année. Il amène aussi The Blue Seeds au festival North By Northeast en 2007, alors qu’ils travaillent déjà au premier album complet, enregistré entre 2006 et 2007, et qui sortira finalement au Québec en 2008. Jean-Robert Bisaillon, gérant du groupe qu’il suit depuis ses débuts, rend également possible sa participation à l’événement Popkomm 2008 de Berlin, l’un des principaux salons européens de l’industrie musicale, ainsi que la sortie en avril 2009 de l’album en France (distributeur : Anticraft). S’enchaînent la participation au Printemps de Bourges en 2009 et le lancement du disque en octobre 2009 aux États-Unis, par l’entremise du distributeur IODA

 

En plus de celles d’Amélie et de François, l’album The Blue Seeds porte la marque de Guillaume Chartrain (percussions, mellotron), Marc Chartrain (percussions et batterie), Patrick Hamilton (basse), Roger Miron (guitares) et Dustin O’Halloran (piano, guitare, percussions, etc.).

 

En anglais dans le texte

 

The Blue Seeds, c’est un tissu de riches guitares électriques tendues et posées, et de la voix sensuelle d’Amélie. Envoûtante musique s’il en est. Au Québec, on ne saurait à qui comparer la bande qui chante essentiellement dans la langue de Pink Floyd. François commente : « J’ai passé la majeure partie de ma vie adulte en anglais. Je suis parfaitement bilingue, j’ai habité aux États-Unis, à Toronto aussi. C’était dans une vie antérieure, dit-il, blagueur. Je travaillais en communications. Autant ma vie professionnelle que personnelle se passait en anglais, les amis, les filles. Pour Amélie, l’anglais, c’était nouveau. Finalement, on a inséré quelques chansons en français, des choses que j’ai écrites moi-même. Il y en aura peut-être une sur le prochain album. »

 

Lorsque l’on demande à François de tenter de définir le son du groupe, il s’essaie de bonne grâce : « On n’arrive jamais à mettre ça dans une case précise. Au départ, je mets toute mon attention sur la mélodie, puis avec les autres membres on crée des atmosphères un petit peu cinématographiques. Folk? Pop? Des éléments un peu rock. En écriture, j’ai des modèles comme Leonard Cohen. Sur le plan musical, un peu de Calexico, même si c’est venu sur le tard. Wilco aussi. Et on est plusieurs dans le groupe à aimer Yo La Tengo. »

 

On peut ainsi entrer dans le laboratoire intime de la création façon Blue Seeds : « J’arrive avec la chanson de base, donc la progression d’accords, la mélodie, les paroles. Puis Amélie écoute les morceaux et voit ce qui lui colle le mieux. On en discute, mais c’est elle qui a le dernier mot car c’est elle qui les chante. Une fois la sélection faite, on l’envoie à tous les membres du groupe. Chacun de son côté travaille ses idées d’arrangements, séparément. Maintenant, on fait ça comme ça mais pour le disque c’était tous ensemble dans le local de pratique. Ensuite, on va essayer les idées de tout le monde pour voir comment ça se tient. Je donne néanmoins quelques impressions vagues sur ce que je veux avec les chansons. Un type de guitare, par exemple. »

 

En 2010, les projets ne manquent pas pour The Blue Seeds. Le deuxième opus devrait voir le jour à l’automne avec, en remplacement de Marc Chartrain et Patrick Hamilton, un nouveau batteur (Simon Blouin) et un bassiste tout neuf (Martin Farmer). Cette fois-ci, tout devrait se faire à Montréal, alors que le premier disque a été conçu entre la métropole et l’Italie. Dufault et sa bande songent aussi à se produire en Angleterre, aux Pays-Bas et en Belgique. Le talent s’exporte bien, parfois.


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